Au dedans, un centre de soin pour oiseaux. Au dehors, le monde sauvage qui laisse imaginer sa violence. Antonin, apprenti, fatigue persistante, âme en peine. Des oiseaux à la dérive, si proches de la mort. Paul, travailleur consciencieux, éprouvant la difficulté du départ. Ce petit monde, dont les blessures se font vivaces, cohabite au dedans, là où existe la possibilité du refuge.
Présentation:
Wilfrid: Propriétaire excentrique d’un car wash.
Thomas et Francis: Pieds nickelés désireux de braquer le premier.
Hélène et Lucie: Jeunes filles du Sud venues rejoindre les deux derniers.
Point de départ: Un jeune garçon de 13 ans réapparaît après avoir disparu pendant une semaine dans la nature. Point d’arrivée: Une femme repose au bord d’une rivière. Entre les deux: des êtres qui existent malgré tout.
Depuis les années 90, Teresa Villaverde poursuit son exploration des sans-voix de l’Europe, adolescents en rupture, prolétaires, candidat.e.s à la migration.
Les films, bien-sûr: exutoire, échappée, surface de réparation. Pellicule analgésique, dérivative, expiatoire, réconciliatrice. Les films pansements, répits, hospices, cliniques, maison de tolérance, de charité, de retraite ; Les films thaumaturges, oasis, sémaphores. Les films reflets, constats, claques, électrochocs, courroie de transmission, étançons, armures, courses contre la montre, la folie, l’oubli.
Jean-Gabriel Périot a proposé aux élèves d’un lycée parisien de participer à une expérience autour du cinéma militant de Mai 68. Ces élèves constitueront l’équipe technique du film et ils en seront aussi les acteurs, des corps performatifs à travers lesquels on articulera la question du politique d’aujourd’hui. Ils rejoueront des scènes mythiques de films de Tanner, du Groupe Medvedkine ou de Godard. Mais dans la voix de ces jeunes, les consignes de Mai 68 résonnent avec un certain décalage par rapport au monde contemporain, constatant qu’en matière de formulation politique, il y a toujours plus de doutes que de certitudes.
Les ouvriers d’une usine de thé autogérée décident d’aller à contre-courant et d’appliquer leurs propres règles. Mais comment prévoir, travailler et survivre dans l’univers impitoyable de la concurrence et du profit ? Au jour le jour, par exemple. Dans un monde dominé par l’argent et la loi de l’exploitation des plus faibles, Le goût de l’espoir offre littéralement des alternatives pour penser notre avenir, et des moyens et outils pour parvenir à l’améliorer.
Des hommes noirs, menacés par la police et stigmatisés par la population, se rassemblent dans un lieu autogéré au coeur de la ville. Ils témoignent de leur quotidien et revendiquent leurs identités, sans avoir à s’excuser de ce qu’ils sont. Le film décrit l’état de siège physique et mental des Noirs en situation précaire à Lausanne. Confronté à d’évidentes nécessités de protection de l’anonymat et à l’impossibilité de filmer dans la rue, No Apologies s’est constitué autour d’un dispositif permettant aux protagonistes de s’exprimer librement.
Un mix de blues et de rock and roll: voilà le secret d’une révolte réussie. Quand je suis arrivé au plein cœur de la France dans l’usine d’équipement automobile GM&S menacée de fermeture, j’ai senti qu’un concert exceptionnel allait s’y donner.
Vic, malchanceux jeune Américain d’origine russe, conduit un minibus pour personnes handicapées à Milwaukee. Alors que des manifestations éclatent dans la ville, il est déjà très en retard et sur le point d’être licencié. À contrecœur, il accepte cependant de conduire son grand-père sénile et ses vieux amis Russes à des funérailles. En chemin, Vic s’arrête dans un quartier afro-américain pour récupérer Tracy, une femme atteinte de la maladie de Lou Gehrig.
Delphine et Carole, insoumuses retrace les engagements féministes et la rencontre entre la mythique actrice française Delphine Seyrig et la pionnière vidéaste franco-suisse Carole Roussopoulos. Avec Carole Roussopoulos Delphine Seyrig a été l’une des premières militantes vidéo en France. Ensemble elles ont documenté les protestations du mouvement des femmes françaises et surtout réalisé des oeuvres pour contrer la représentation dominante des femmes à la télévision et au cinéma.
Les Trois contes de Borges adaptent, dans leur langue originale, trois textes du célèbre écrivain argentin Jorge Luis Borges: El otro, El disco et El libro de arena. Trois récits fantastiques où se monnaient les objets de l’éternité qui, à portée de main, mettent en péril nos rapports au temps, à l’image, au langage.
Le premier long métrage de Caroline Poggi et Jonathan Vinel combine des éléments fantastiques et une cinématographie hyperréaliste, rappelant volontairement un environnement de jeu vidéo. Ce monde dystopique et science-fictionnel visuellement saisissant raconte, comme dans un jeu vidéo, des missions, celles de Jessica et ses orphelins, inspirés des personnages du jeu Metal Gear Solid ou d’Heroic Fantasy.
Skid Row est un quartier de Los Angeles tristement connu pour être la “capitale des sans-abris” des États-Unis. Teri et sa petite amie Tiahna vivent dans ce monde chaotique où il faut suivre les règles du jeu de la rue afin de survivre en marges de la société. La vie de ce couple lesbien afro-américain est rythmé par les rondes en prison, l’alcoolisme, la drogue mais il y a aussi de l’espoir. Avec d’autres femmes du quartier, elles participent chaque semaine à un atelier d’expression artistique initié par la réalisatrice.
Au nord de la Chine, une vaste ville post-industrielle est plongée dans un brouillard perpétuel qui semble piéger ses habitants. Un matin, une altercation entre deux adolescents dans un lycée dégénère et lie les destinées de quatre individus broyés par la violence sociale. Une obsession commune les unit: fuir vers la ville de Manzhouli, où l’on raconte qu’un éléphant légendaire reste assis toute la journée et immobile, il ignore le monde.
Checkford a bien changé depuis l’arrivée des célèbres May Ray: les touristes affluent, l’immobilier flambe… A la Bread Factory, Dorothea et Greta travaillent sur l’adaptation d’Hécube d’Euripide. Mais le vrai spectacle se situe peut-être à l’extérieur. Face à toutes ces transformations dans la ville, la Bread Factory est toujours menacée.
Il y a quarante ans, dans la petite ville de Checkford, Dorothea et Greta ont transformé une usine à pain désaffectée en un espace dédié aux arts: la Bread Factory. Mais un couple célèbre d’artistes-performeurs chinois est arrivé en ville et menace de récupérer les subventions culturelles permettant de faire vivre ce lieu. Non sans humour, les habitants de Checkford tentent de s’adapter aux changements et la Bread Factory de survivre.
Du Paris de l’après-Charlie aux élections présidentielles, une traversée nocturne aux côtés de jeunes qui ne dorment pas: leurs rêves, leurs cauchemars, l’ivresse, la douceur, l’ennui, les larmes, la teuf, le taf, les terrasses, les vitrines, les pavés, les parents, le désir, l’avenir, l’amnésie, 2015, 2016, 2017: l’époque.
À Moscou en 1930, dans le bâtiment gouvernemental des Unions, un groupe d’économistes et d’ingénieurs de haut rang sont jugés en public par un tribunal de haute instance. Ils sont accusés d’avoir comploté un coup d’état contre le gouvernement soviétique. Ils avouent avoir fait un pacte secret avec le premier ministre français Raymond Poincaré dans le but de détruire l’Union et restaurer le capitalisme.
En installant sa caméra au cœur des locaux de la rédaction du journal en ligne Mediapart, avant, pendant et après l’élection présidentielle française de 2017, Naruna Kaplan de Macedo a pu suivre le quotidien de celles et ceux qui y travaillent. Sur fond de dossiers comme l’affaire Baupin, les Football Leaks, les financements libyens, le film nous donne à voir comme jamais les coulisses du journalisme d’investigation de Mediapart
La partie finale du film présente les épisodes 5 et 6 ainsi que le plus long générique final de l’histoire du cinéma. Le premier est un remake assumé du film Partie de campagne (1936) de Jean Renoir, romance campagnarde en hommage aux peintures de son père Auguste Renoir. Les scènes du film original sont refilmées avec les quatres actrices de la manière manière qu’à l’époque. Le dernier épisode est basé sur les mémoires d’une femme britannique qui était restée captive dans la Patagonie sauvage.
Cette partie présente le dernier acte de l’épisode 3, film d’espionnage sur fond de guerre froide, où les quatres figures principales sont traquées par quatre autres femmes pour un duel qui n’aura pas lieu. L’épisode 4 est un point clé du film entier. Les quatre actrices incarnent leurs propres rôles, jouant divers personnage abstraits devant la caméra tenue par le réalisateur lui-même. Cette série de fictions dans la fiction fait voyager du Canada en Amérique du Sud, à la recherche du plus beau Pau d’arco (ou Lapacho, arbre sacré des Incas).
Cette seconde partie présente les deux premiers actes de l’épisode 3, dont la durée totale approche les six heures. Il s’agit d’un film d’espionnage qui rappelle que le conflit idéologique entre les États-Unis et l’Union Soviétique a nourri tout un pan de cinéma, qu’il s’agisse de science-fiction, de films d’horreur ou policier. Les quatre actrices incarnent des espionnes qui, quelque part en Amérique du Sud, retiennent en otage un scientifique suédois.
Cette première partie – qui fut aussi le pilote qui permit la finalisation du film entier – consiste en une préface du réalisateur présentant le ton et le schéma suivi tout au long de La Flor et de ses deux premiers épisodes. Le premier est un hommage aux films de série B américains à travers l’expédition d’une équipe de scientifiques dans le désert argentin qui fait l’excavation d’une momie qui semblerait maléfique. Dans le second épisode, un groupuscule étrange met tout en oeuvre pour trouver du venin de scorpion à des fins thérapeutiques.
Premières Solitudes, le dernier film de Claire Simon, est filmé avec les jeunes d’un collège d’Ivry qui apprennent à se connaître. Ce film fait écho à Récréations, réalisé vingt-six ans auparavant dans le vif d’une cour d’école maternelle, que nous présentons en copie restaurée. Deux films d’apprentissages qui naviguent entre l’enfance et l’adolescence, du moment où les petit·e·s sont lâché·e·s dans la cour au moment où les jeunes protagonistes arrivent à porter un regard sur eux et elles mêmes.
Premières Solitudes, le dernier film de Claire Simon, est filmé avec les jeunes d’un collège d’Ivry qui apprennent à se connaître. Ce film fait écho à Récréations, réalisé vingt-six ans auparavant dans le vif d’une cour d’école maternelle, que nous présentons en copie restaurée. Deux films d’apprentissages qui naviguent entre l’enfance et l’adolescence, du moment où les petit·e·s sont lâché·e·s dans la cour au moment où les jeunes protagonistes arrivent à porter un regard sur eux et elles mêmes.
Sentant sa mort approcher, un vieux poète convie ses deux fils à le rejoindre dans un hôtel au bord du fleuve Han. Une jeune femme éplorée et sa meilleure amie s’y baladent… Entre siestes et promenades dans la neige, les cœurs s’épanchent.
Le Spoutnik vous invite à commencer l’année 2019 avec la découverte de De cendres et de braises. Une oeuvre brûlante qui s’enflamme de la parole des habitant·e·s des quartiers HLM de la ville des Mureaux – banlieue parisienne ouvrière en mutation – où la cinéaste a habité.
Dans le monde bariolé et flamboyant de la Lucha Libre, Cassandro est une star aussi incontournable que singulière. Il est le roi des Exóticos, ces catcheurs mexicains travestis qui dynamitent les préjugés dans un sport pourtant fortement machiste.
After School Knife Fight du duo Poggi/Vinel, Les Îles de Gonzalez, et Ultra Pulpe de Mandico. Trois ambiances, trois univers, trois sensibilités, qui traversent trois formes d’expression différentes (musique, théâtre et cinéma) et qui mis bout à bout forment une voie alternative vers des mondes empreints de romance d’abord, puis d’obsession et enfin de possession. Des mondes dont la douceur naïve, les créatures de cauchemar et la fantasmagorie pop rappellent les bribes mystérieuses et veloutées de nos songes restant attachées à l’esprit au moment de les quitter.
Sophia Antipolis, c’est le nom de la plus grande technopole d’Europe, un territoire étrange située entre la mer Méditerranée, la forêt et le montages, entre Nice et Cannes. Sous un soleil aveuglant, des hommes et des femmes sont à la recherche d’un sens, d’un lien social, d’une communauté. Ielles vont croiser le destin d’une jeune fille disparue.
La star du football Diamantino (parodie de Cristiano Ronaldo par le magnifique Carloto Cotta) est le héros de tout un pays. Sa carrière est une affaire de famille: son père est son entraîneur personnel et ses sœurs jumelles, les dépositaires de sa fortune.
Soudainement, en pleine finale de la Coupe du Monde, Diamantino est piégé sur le terrain par des visions magiques et englouti par des vapeurs couleur barbapapa paillette qui font rater son but. La déception de toute une nation face à la défaite entraîne la mort de son père et l’enfant prodige du foot se retrouve seul face au monde. Sans repères, cette star déchue – naïve et attachante – débute une odyssée délirante et devient l’objet de manipulations génétiques afin de déceler les secrets de son talent, se trouve au sein d’une conspiration familiale montée par ses sœurs jumelles malveillantes ou encore d’un complotisme de l’extrême-droite…
« Dis-moi comment tu m’as aimé, pour que je sache comment aimer. » La capacité ou l’incapacité à toucher et à être touché est viscéralement influencée et liée à notre propre histoire et à notre passé familial. Touch Me Not explore l’intimité et la sexualité, l’amour de soi et des autres à travers des expériences singulières, dans un film à la frontière fluide entre réalité et fiction. Une recherche artistique définie et développée à travers la relation respectueuse et empathique que semble avoir tissée Adina Pintille avec les personnages du film. Certains sont acteurs, d’autres non. Il n’est pas nécessaire de savoir s’ils jouent un rôle ou s’ils sont eux-mêmes. On suppose qu’ils ont tous profondément compris, peu importe de quelle façon, les enjeux de cette expérience. Un film assurément perturbant, qui nous interroge de manière extrêmement fertile, amenant le spectateur avec délicatesse, une fois embarqué dans ce voyage, à redéfinir son regard et à l’ouvrir à de nouveaux possibles. Comme pour les personnages de ce film, il s’agit peut-être de vaincre de vieux schémas pour s’en libérer, que ce soit pour un instant ou pour plus longtemps.
Un été sur une île de loisirs en région parisienne. Terrain d’aventures, de drague et de transgression pour les un·e·s, lieu de refuge et d’évasion pour les autres. De sa plage payante à ses recoins cachés, l’exploration d’un royaume de l’enfance, en résonance avec les tumultes du monde.
« La première fois que je suis entrée dans le Palais de Justice de Paris, j’avais vingt ans. Il avait déjà mille ans et des poussières. 6999 portes, 3150 fenêtres et 24 kilomètres de couloirs, selon la légende.
J’y ai travaillé pendant plus de dix ans. J’étais chroniqueuse judiciaire.
Les nuits où il fallait rester tard pour attendre un verdict, je m’éloignais des lumières et m’enfonçais dans des couloirs de plus en plus sombres. J’entendais des grondements venus des tréfonds. J’avais la sensation que le Palais était un être vivant, il me semblait le voir bouger.
Aujourd’hui je m’engouffre une dernière fois dans ce Palais, avant sa disparition. Je mets en scène mon expérience intime, mes émotions, mes sensations, face à une institution toute-puissante. Au fur et à mesure que le Palais se vide et se fait silencieux, les fantômes prennent possession des lieux. Les murs, les boiseries, les tentures, les marches de marbre usées à force d’avoir été gravies, retiennent leur empreinte pour toujours. »
Dans le Donbass, région de l’est de l’Ukraine, un conflit hybride mêle interventions armées ouvertes et guerre de l’information. Les milices séparatistes pour la république indépendante du Donbass imposent leurs présences via des check points routiers fréquents et le soutien forcé de la population. Le film présente à travers ses plans séquences une balade dans les villes et les campagnes, comme un périple difficile empli de situations absurdes et satiriques. Toute la complexité du conflit qui oppose tant les politiques que les populations est présentée comme un noeud inextricable et qui pose la question de la réalité présentée dans les médias.
Au bord de la Manche, Milla et Léo squattent une maison abandonnée. Le monde leur appartient et dans leur insouciance ielles prennent à bras le corps la vie avec leur peu de moyen. C’est le temps de bouquiner, s’ennuyer, s’enivrer, se maquiller, danser. Leur amour est joyeusement triste, rythmé par de gaies disputes et par la présence d’un mal-être naissant. La vie de Milla avance, pas le choix, les ondes de l’océan atlantique continuent à se briser sur les bords de cette ville où son existence se transforme et prend forme avec toute son intégrité.
Son second et dernier long métrage “Black Mother” est un retour aux sources jamaïcaines du réalisateur avec une approche très personnelle, spirituelle et historique à la fois. Tournant cette fois-ci de jour, il travaille avec cette lumière abondante qu’il reflète sur les personnes qu’il accompagne. Il porte un regard particulier sur la figure de la Mère qu’il signifie comme l’origine du monde.
Dans un futur post-SIDA de 2060, le gouvernement déclare l’éradication complète de la maladie. Une mutation du virus HIV a donné naissance à des humains ZERO GEN, qui sont devenus les porteurs d’une nouvelle bio-drogue du 21e siècle. Leur éjaculation contient un puissant narcotique qui remplace les poudres blanches du 20e siècle.
La Fémis est l’école de cinéma la plus prestigieuse de France. Environ 1250 personnes tentent chaque année le concours d’admission pour accéder à cette formation d’excellence et seulement 60 personnes sont retenues. Les aspirant·e·s cinéastes sont confronté·e·s à de nombreuses épreuves écrites et pratiques et certain·e·s n’en sont pas à leur premier concours.
Gaspard Bazin (Jean-Pierre Léaud) est un metteur en scène autoritaire et paumé. En train de préparer un nouveau film, il fait des essais pour recruter des figurant·e·s. Son producteur Jean Almereyda (Jean-Pierre Mocky) a du mal à réunir les capitaux nécessaires pour financer le film et est impliqué dans une sombre affaire d’argent sale. Entre-temps, sa femme Eurydice (Marie Valera), qui voudrait être actrice, essaie de décrocher un rôle sur le film.
“9 Doigts” commence à la manière d’un film noir: la nuit, dans une gare, un homme du nom de Magloire prend la fuite. Sans bagages et sans avenir. Comme il tombe sur un paquet d’argent, les ennuis commencent. Une bande est à ses trousses, dont il finit otage, puis complice. C’est la bande de Kurtz. Suite à un braquage raté, ils embarquent tous à bord d’un cargo dont le tonnage suspect est aussi volatile que mortifère.
Samedi 31 mars à 17h30
lundi 2 avril à 19h
mardi 3 avril à 19h
mercredi 4 avril à 19h
Dije, jeune immigré Nigérien, a atterri par erreur en Géorgie imaginant se rendre en Géorgie (USA). April, travailleuse du sexe, vient juste de sortir de prison et retrouve son quotidien morne. Dans un souterrain malfamé d’un grand hôtel de Tbilissi, les immigrés et les travailleuses du sexe ne se côtoient pas, se méprisent et s’évitent.
David, alias « Niñato », jeune père célibataire, chômeur et parfois rappeur, vit avec ses parents, son enfant, sa sœur et son enfant… Dans cette vie de famille un peu particulière, entre le lever, les repas et les devoirs, David essaye de conserver quelques minutes pour lui et sa passion pour les rimes et la musique.
Dans un village dans le sud de la Chine, Fang Xiuying, une paysanne âgée de 67 ans est atteinte de la maladie d’Alzheimer. Les symptômes sont très avancés. Après un séjour dans un foyer de convalescence qui n’apporte pas d’améliorations, elle passe ses derniers jours chez elle, entourée par sa famille et ses voisins.
À Beyrouth, des ouvriers du bâtiment venus de Syrie travaillent à la reconstruction d’un gratte-ciel. Dans ce chantier de béton, symbole de la reconstruction au Liban, les travailleurs syriens bâtissent, alors que dans leur pays leurs maisons sont détruites par les bombes.
Pour répondre à la demande, le Cinéma Spoutnik propose 6 séances supplémentaire du film Ouvrir La Voix de la réalisatrice militante afro-féministe Amandine Gay. Ces séances auront lieu Les trois premiers week-ends de décembre, les samedi et dimanche à 17h30.
Ouvrir La Voix est une œuvre qui permet de repenser l’universel à partir du vécu d’afro-descendantes noires. Le film aborde certes la question des intersections de discriminations, mais il révèle aussi l’hétérogénéité et la grande diversité au sein des communautés afro-descendantes, qu’il s’agisse du rapport de ces femmes à la créativité, à la parentalité, à la dépression, à la sexualité ou à la religion. Ce film donne l’opportunité à celles qui sont habituellement racontées ou silencées de se raconter et d’être en charge de leur représentation à l’écran. C’est donc, enfin et surtout, une histoire de femmes puissantes et touchantes.
Filmé lors d’un véritable stage raëlien, « Bonheur Académie » met en scène une histoire fictionnelle qui s’est adaptée au rythme, aux activités et à l’environnement de l’Université du Bonheur en mêlant acteur·trice·s aux adeptes du mouvement de Claude Vorilhon, alias Raël. Le travail photographique et les qualités plastiques et sont étonnantes, tant au niveau des compositions que des couleurs pétantes qui restituent les joies de l’été. Elles participent à nous transmettre l’étrangeté de cette expérience immersive dans ce microcosme hédoniste.
Ouvrir La Voix est un documentaire sur les afro-descendantes noires d’Europe francophone (France et Belgique). Le film permet de repenser l’universel à partir du vécu d’afro-descendantes noires. Le film aborde certes la question des intersections de discriminations, mais il révèle aussi l’hétérogénéité et la grande diversité au sein des communautés afro-descendantes, qu’il s’agisse du rapport de ces femmes à la créativité, à la parentalité, à la dépression, à la sexualité ou à la religion.
