Un mix de blues et de rock and roll: voilà le secret d’une révolte réussie. Quand je suis arrivé au plein cœur de la France dans l’usine d’équipement automobile GM&S menacée de fermeture, j’ai senti qu’un concert exceptionnel allait s’y donner.
Ce film raconte l’histoire de la musique industrielle voguant dans les années septante sur l’effritement des villes industrielles d’Europe à la florissante scène avant-gardiste Américaine. Dans un context d’agitation politique et sociale, entre déclin d’un monde industriel et naissance d’un mouvement révolutionnaire, le film suit plusieurs personnalités qui ont forgés un style musical unique, porté entre autres par Throbbing Gristle et Cabaret Voltaire.
Deux films pour célébrer la liberté!
À Nairobi, Kena et Ziki mènent des vies de lycéennes bien différentes mais essaient, chacune à leur façon, de poursuivre leurs rêves. Elles se rencontrent lors de la campagne électorale au cours de laquelle s’affrontent leur père respectif. Dans une société kenyane conservatrice, les deux jeunes femmes vont être contraintes de choisir entre amour et sécurité.
« Dire à Lamine » est un film documentaire long-métrage réalisé par le collectif Cases Rebelles, en association avec le collectif Vies Volées (collectif de familles de victimes de crimes policiers). Le tournage a débuté en 2016, quelques semaines avant la 9e commémoration de la mort de Lamine Dieng, étouffé par des policiers le 17 juin 2007 à Paris.
Au début des années 60, des milliers de Portugais·e·s débarquent clandestinement en France. Elles et ils fuient la misère, la guerre et la répression. Livré-e-s à des passeurs sans scrupule, elles et ils doivent traverser la péninsule Ibérique traqué-e-s par les polices portugaise et espagnole. Un exode sans précédent de l’Europe d’après-guerre.
Histoire d’un village où presque l’ensemble des habitant-e-s ont émigré à la recherche d’une vie meilleure. Les un-e-s sont parti·e·s pour toujours, d’autres sont revenu-e-s. À travers les dialogues et les récits des gens qui habitent le village au mois d’août (pendant les vacances), le film tente de comprendre qui sont ces femmes et ces hommes devenu-e-s à jamais des déraciné-e-s et qui portent intrinsèquement la rupture avec leur univers familier.
Histoire croisée de deux bidonvilles à Massy dans la banlieue de Paris qui se sont construits, à 40 ans d’intervalle, sur un même territoire. D’abord des émigré·e·s venant du Portugal dans les années 60, puis de la Roumanie au début des années 2000. Les un·e·s avaient fui une dictature où les grands propriétaires terriens étaient de véritables seigneurs féodaux et les autres ont fui une de ces démocraties libérales où les plus démuni·e·s n’ont aucun droit.
En février 2018, l’artiste Arnaud Dezoteux a investi Forde et le Spoutnik pour son projet artistique Braquage Therapy lors de l’exposition commune Le système du décor. À Forde, il a installé un décor avec écran vert où se déroulait un tournage public et participatif. En même temps, au Spoutnik, des rushes du film en cours de réalisation étaient diffusés en boucle.
Delphine Seyrig s’entretient avec vingt-quatre actrices françaises et américaines sur leur expériences professionnelles en tant que femme, leurs rôles et leurs rapports avec les metteurs en scène, les réalisateurs et les équipes techniques. Bilan collectif plutôt négatif en 1976 sur une profession qui ne permet que des rôles stéréotypés et aliénants.
Delphine et Carole, insoumuses retrace les engagements féministes et la rencontre entre la mythique actrice française Delphine Seyrig et la pionnière vidéaste franco-suisse Carole Roussopoulos. Avec Carole Roussopoulos Delphine Seyrig a été l’une des premières militantes vidéo en France. Ensemble elles ont documenté les protestations du mouvement des femmes françaises et surtout réalisé des oeuvres pour contrer la représentation dominante des femmes à la télévision et au cinéma.
Les Trois contes de Borges adaptent, dans leur langue originale, trois textes du célèbre écrivain argentin Jorge Luis Borges: El otro, El disco et El libro de arena. Trois récits fantastiques où se monnaient les objets de l’éternité qui, à portée de main, mettent en péril nos rapports au temps, à l’image, au langage.
Le premier long métrage de Caroline Poggi et Jonathan Vinel combine des éléments fantastiques et une cinématographie hyperréaliste, rappelant volontairement un environnement de jeu vidéo. Ce monde dystopique et science-fictionnel visuellement saisissant raconte, comme dans un jeu vidéo, des missions, celles de Jessica et ses orphelins, inspirés des personnages du jeu Metal Gear Solid ou d’Heroic Fantasy.
Skid Row est un quartier de Los Angeles tristement connu pour être la “capitale des sans-abris” des États-Unis. Teri et sa petite amie Tiahna vivent dans ce monde chaotique où il faut suivre les règles du jeu de la rue afin de survivre en marges de la société. La vie de ce couple lesbien afro-américain est rythmé par les rondes en prison, l’alcoolisme, la drogue mais il y a aussi de l’espoir. Avec d’autres femmes du quartier, elles participent chaque semaine à un atelier d’expression artistique initié par la réalisatrice.
Vive la Mort ! Vive la Mort !
Vive le morceau de pain pour l’école, amélioré aux cafards vivants !
Vive les carcasses de boeuf pendues aux crochets !
Mais rien à voir avec une horreur artistique …
juste comme des notes crayonnées tombées par terre au jour le jour…
Akihiro, cinéaste japonais vivant à Paris, réalise des interviews à Hiroshima avec des hibakusha, survivant·e·s de la bombe atomique. Pendant son séjour au Japon il fait la rencontre d’une étrange jeune femme, Michiko. Leurs balades dans la région d’Hiroshima réactivent la mémoire de Michiko, qui, avec son accent et yukata démodés semble venue d’un autre temps.
Lumières d’été est précédé du court métrage 20 000 fantômes, mosaïque de centaines de photos du dôme Genbaku, le seul bâtiment de Hiroshima resté debout après l’explosion de la bombe A.
Cinq films où le chant s’allie à la révolte, à l’insoumission et l’ébullition intérieure. Des personnes expriment par leurs voix et leurs corps des musiques empreintes d’émotion. “De la joie dans ce combat” suit un groupe de femmes pour qui la musique est un moyen de résister et de sortir de l’isolement. Dans “Nos jours absolument, doivent être illuminés” des détenu·e·s chantent depuis l’intérieur d’une maison d’arrêt pour le public venu les écouter de l’autre côté du mur.
Les images se juxtaposent, se superposent, se combinent et rembobinent dans ce programme de films courts réalisés de montages d’archives. Éminemment politiques, ces oeuvres sont issues de longues recherches historiques et établissent avec ingéniosité des liens entre les temporalités. Récits de violence, pouvoir, révolte et désobéissance sublimés par la force et les possibilités de l’art du montage.
Une jeunesse allemande raconte l’histoire de la Fraction Armée Rouge (RAF) à travers des images de l’Allemagne des années 70. Un montage entièrement constitué d’archives visuelles et sonores décrit la transformation progressive et la politisation croissante de la RAF. Ses membres, comprenant notamment Ulrike Meinhof et Andreas Baader, expriment d’abord leur militantisme dans des actions artistiques, médiatiques et cinématographiques puis s’engagent dans une résistance armée.
Du Paris de l’après-Charlie aux élections présidentielles, une traversée nocturne aux côtés de jeunes qui ne dorment pas: leurs rêves, leurs cauchemars, l’ivresse, la douceur, l’ennui, les larmes, la teuf, le taf, les terrasses, les vitrines, les pavés, les parents, le désir, l’avenir, l’amnésie, 2015, 2016, 2017: l’époque.
En installant sa caméra au cœur des locaux de la rédaction du journal en ligne Mediapart, avant, pendant et après l’élection présidentielle française de 2017, Naruna Kaplan de Macedo a pu suivre le quotidien de celles et ceux qui y travaillent. Sur fond de dossiers comme l’affaire Baupin, les Football Leaks, les financements libyens, le film nous donne à voir comme jamais les coulisses du journalisme d’investigation de Mediapart
Inspiré de l’autobiographie de Natalia Naumenko, le film raconte les débuts de la scène rock underground à Leningrad dans les années 80 – un peu avant la Perestroïka – et la création d’une salle de concert mythique, le Leningrad Rock Club. Dans une époque ou le rock occidental se trouve au marché noir, trois personnes clés vont se rencontrer et créer la légende du rock soviétique, avec notamment Mike Naoumenko du groupe Zoopark et le jeune Viktor Tsoï, chanteur leader du groupe Kino.
Premières Solitudes, le dernier film de Claire Simon, est filmé avec les jeunes d’un collège d’Ivry qui apprennent à se connaître. Ce film fait écho à Récréations, réalisé vingt-six ans auparavant dans le vif d’une cour d’école maternelle, que nous présentons en copie restaurée. Deux films d’apprentissages qui naviguent entre l’enfance et l’adolescence, du moment où les petit·e·s sont lâché·e·s dans la cour au moment où les jeunes protagonistes arrivent à porter un regard sur eux et elles mêmes.
Premières Solitudes, le dernier film de Claire Simon, est filmé avec les jeunes d’un collège d’Ivry qui apprennent à se connaître. Ce film fait écho à Récréations, réalisé vingt-six ans auparavant dans le vif d’une cour d’école maternelle, que nous présentons en copie restaurée. Deux films d’apprentissages qui naviguent entre l’enfance et l’adolescence, du moment où les petit·e·s sont lâché·e·s dans la cour au moment où les jeunes protagonistes arrivent à porter un regard sur eux et elles mêmes.
Le Spoutnik vous invite à commencer l’année 2019 avec la découverte de De cendres et de braises. Une oeuvre brûlante qui s’enflamme de la parole des habitant·e·s des quartiers HLM de la ville des Mureaux – banlieue parisienne ouvrière en mutation – où la cinéaste a habité.
L’année recommence avec un petit diptyque autour de la boîte de nuit lesbienne de Simone Barbès ou la vertu, à laquelle Yann Gonzalez fait un petit clin d’oeil dans Un couteau dans le coeur. Ingrid Bourgoin, la protagoniste principale du premier, apparaît dans le deuxième, au bar de cette boîte qui vingt-huit ans après n’as pas changé d’esprit…
L’année recommence avec un petit diptyque autour de la boîte de nuit lesbienne de Simone Barbès ou la vertu, à laquelle Yann Gonzalez fait un petit clin d’oeil dans Un couteau dans le coeur. Ingrid Bourgoin, la protagoniste principale du premier, apparaît dans le deuxième, au bar de cette boîte qui vingt-huit ans après n’as pas changé d’esprit…
Les Rencontres cinématographiques PFC’E proposent cette année des films de cinéastes
palestinien·ne·s qui, d’une part, évoquent les évènements de la Nakba et, d’autre part, abordent toutes les catastrophes qui se sont enchaînées depuis 1948. Une occasion pour le public de découvrir des longs métrages, notamment sur la question des réfugié·e·s et du droit international, suivis de discussions avec les cinéastes. PFC’E fait aussi la part belle aux courts métrages, poignants et non dénués d’humour, qui nous plongent dans différents aspects de la «Nakba continue»: l’occupation, les check-points, l’emprisonnement, l’enfermement. Par ailleurs, un hommage est rendu au grand poète palestinien Mahmoud Darwich. Pour cette édition 2018, PFC’E présente 27 films et accueille 5 invité·e·s. Ces différents regards portés par le cinéma nous permettent de tisser une continuité entre des situations historiques différentes, tout en établissant un pont entre le passé et le présent.
Ces films et vidéos, produits par la Biennale, constituent un corpus extraordinaire d’œuvres nouvelles présentées en première au Centre d’Art Contemporain Genève et au Cinéma Spoutnik à Genève, lors de l’inauguration, du 8 au 10 novembre 2018.
Elsa Michaud et Gabriel Gauthier sont étudiants aux Beaux-Arts. Ils partagent une relation amoureuse et une recherche artistique dans une époque désorientée. Sans parole, sur une BO obsédante du tandem électro Avia x Orly, une plongée vertigineuse dans l’Occident accidenté, cinquante ans après mai 68.
Godard interroge deux enfants. Un garçon, une fille. Les conversations s’enchaînent dans la rue, dans leur chambre, à l’école. Facétieux et politiques, JLG et Miéville détournent un manuel scolaire de 1877 pour en faire une série mythique, hélas trop peu vue.
Fonction:Cinéma, association professionnelle pour le cinéma indépendant, consacre deux soirées consécutives à l’usage de la pellicule dans le cinéma contemporain.
Pour la première, organisée en partenariat avec le Spoutnik, place aux images !!! Nous vous avons concocté un programme éclectique et stimulant avec la projection en 16 et 35 mm de courts, moyens et long métrages, tous produits et réalisés ces dernières années.
Analog is not dead #2 aura lieu le lendemain, le 29 novembre, à Fonction:Cinéma (www.fonction-cinema.ch) pour prolonger la discussion avec Gaëlle Rouard (réalisatrice), Emmanuel Lefrant (réalisateur et directeur de Light Cone, Paris) et Peter Hoffmann (réalisateur et programmateur).
Quand cinéma et microédition parlent le même langage. Un programme tout 16mm composé de films à la technique visible et revendiquée, qui parfois même l’épuise jusqu’à saturation de l’image. Souvent plus proche de la poésie ou de l’exercice de style que du récit, ces films explorent, chacun à sa manière, un vocabulaire riche. Collage et découpage, composition, hybridation, tirage, surimpression et défaut d’impression, récupération, artisanat, couches de couleur et expérimentation. Un dialogue, une mise en mouvement de la matière.
Une invitation nocturne à voir ou revoir ce film de Wim Wenders, sublime voyage intime et géographique, entre errance, marche initiatique et quête d’amour, d’idéal et d’absolu – dans un univers mythique américain projeté par ce cinéaste européen. L’on voit les cinq personnages du film Travis, Jane, Walt, Anne et Hunter, évoluer dans un mouvement par vagues, qui porte chacun d’eux, les mêle, prenant l’un et déposant l’autre, les unissant tous. Une œuvre de chair et d’esprit qui interroge comment se raconter à soi-même et à l’autre sa propre histoire, en revenant sur son passé, ses erreurs, ses espoirs, ses passions et ses rêves. Un récit fait de liens affectifs, mais aussi de violence, de possession, d’oubli de soi et de sacrifice.
Dans le monde bariolé et flamboyant de la Lucha Libre, Cassandro est une star aussi incontournable que singulière. Il est le roi des Exóticos, ces catcheurs mexicains travestis qui dynamitent les préjugés dans un sport pourtant fortement machiste.
After School Knife Fight du duo Poggi/Vinel, Les Îles de Gonzalez, et Ultra Pulpe de Mandico. Trois ambiances, trois univers, trois sensibilités, qui traversent trois formes d’expression différentes (musique, théâtre et cinéma) et qui mis bout à bout forment une voie alternative vers des mondes empreints de romance d’abord, puis d’obsession et enfin de possession. Des mondes dont la douceur naïve, les créatures de cauchemar et la fantasmagorie pop rappellent les bribes mystérieuses et veloutées de nos songes restant attachées à l’esprit au moment de les quitter.
Sophia Antipolis, c’est le nom de la plus grande technopole d’Europe, un territoire étrange située entre la mer Méditerranée, la forêt et le montages, entre Nice et Cannes. Sous un soleil aveuglant, des hommes et des femmes sont à la recherche d’un sens, d’un lien social, d’une communauté. Ielles vont croiser le destin d’une jeune fille disparue.
La star du football Diamantino (parodie de Cristiano Ronaldo par le magnifique Carloto Cotta) est le héros de tout un pays. Sa carrière est une affaire de famille: son père est son entraîneur personnel et ses sœurs jumelles, les dépositaires de sa fortune.
Soudainement, en pleine finale de la Coupe du Monde, Diamantino est piégé sur le terrain par des visions magiques et englouti par des vapeurs couleur barbapapa paillette qui font rater son but. La déception de toute une nation face à la défaite entraîne la mort de son père et l’enfant prodige du foot se retrouve seul face au monde. Sans repères, cette star déchue – naïve et attachante – débute une odyssée délirante et devient l’objet de manipulations génétiques afin de déceler les secrets de son talent, se trouve au sein d’une conspiration familiale montée par ses sœurs jumelles malveillantes ou encore d’un complotisme de l’extrême-droite…
White Epilepsy est le dernier mouvement d’une trilogie initiée par White Epilepsy et Meurtrière qui nous rapproche d’un corps comme revenu du fond des âges, un corps archaïque que l’on ne connaît pas et qui pourtant ne cesse de projeter en nous son ombre, son inquiétude.
On entre dans le film comme dans un rêve. Paris. Lenz cherche Madeleine disparue mystérieusement. Il rencontre Hélène une jeune femme envoûtée par sa pulsion autodestructrice. Un amour fou naît entre eux. Louis et Léna dévorés par leur jalousie amèneront Lenz à suivre malgré lui Hélène dans le monde souterrain d’un sombre réseau d’exploitation sexuel. Fut-il perdu, d’emblée perdu, l’amour est ce qui nous sauve.
Un été sur une île de loisirs en région parisienne. Terrain d’aventures, de drague et de transgression pour les un·e·s, lieu de refuge et d’évasion pour les autres. De sa plage payante à ses recoins cachés, l’exploration d’un royaume de l’enfance, en résonance avec les tumultes du monde.
Des étudiant·e·s d’art dramatique sont invité·e·s à sortir du Conservatoire supérieur national de Paris pour suivre un atelier d’été dirigé par Guillaume Brac. Le dispositif de tournage est minimal, trois technicien·ne·s, une petite caméra numérique, un pied et un micro. Les deux contes qui composent le recueil sont tournés dans des lieux proches du cinéaste et des personnages: le base de loisirs de Cergy Pontoise, où Guillaume Brac a ensuite tourné LÎle au trésor (diffusé au Spoutnik en décembre), la Cité Universitaire de Paris, où vit Hanne, l’une des étudiantes. Les loisirs, la vie à la CU, l’amitié et les amours. Des contes de jeunesse, avec une dimension du conte moral, racontés avec la bonne dose de légèreté et toute une palette de sentiments. Le résultat de cette collaboration est jussif: deux contes estivaux – l’un rhomérien et l’autre aux airs d’un film d’Hong Sang Soo, à découvrir en présence du cinéaste!
À Londres, Hortense, jeune femme noire de vingt-sept ans dont la mère adoptive vient de décéder, part à la recherche de sa mère biologique. Celle-ci s’avère être Cynthia, une ouvrière blanche vivant dans un quartier populaire et mère célibataire d’une autre fille plus jeune, Roxanne, employée à la voirie et avec qui elle a de sérieux problèmes relationnels.
Elisa, kinésithérapeute, part s’installer avec son jeune fils Noé à Dunkerque, ville où elle est née sous X et a ensuite été adoptée. Elle engage des recherches sur son passé qui l’obsède et tente de retrouver sa mère biologique, mais celle-ci souhaite rester inconnue. Elisa ne renonce pas à se confronter avec le passé et le hasard bouleverse son chemin.
Séoul, 1975. Jinhee a 9 ans. Son père la place dans un orphelinat tenu par des sœurs catholiques. Commencent alors l’épreuve de la séparation et la longue attente d’une nouvelle famille. Au fil des saisons, les départs des enfants adoptés brisent les amitiés à peine nées. Jinhee résiste, car elle sait que la promesse d’une vie toute neuve la séparera à jamais de ceux et celles qu’elle aime.
Ils sont 200 000, les enfants coréens disséminés à travers le monde depuis la fin de la guerre de Corée. Jung est l’un d’entre eux, né en 1965 à Séoul et adopté en 1971 dans une famille belge. Adapté du roman graphique, le film revient sur quelques moments clés de la vie de Jung: l’orphelinat, l’arrivée en Belgique, la vie de famille, l’adolescence difficile… Il nous raconte les événements qui l’ont conduit à accepter ses mixités. Le déracinement, l’identité, l’intégration, l’amour maternel, tout comme la famille recomposée et métissée, sont autant de thèmes abordés.
Un groupe de jeunes gens s’organise dans une ville, animés par l’espérance en un autre monde à inventer. Une nuit, ils s’opposent à la police venue démanteler un squat d’Africains. Carmen, qui vient de rompre avec Charles, fait la rencontre de Hussain, un jeune poète afghan. Fous amoureux l’un de l’autre, ils ne se quittent plus. Lorsque Hussain reçoit le document qui lui enjoint de quitter le territoire, il entame une fuite et se réfugie après un contrôle de police dans l’appartement de Carmen. Paniquée à l’idée qu’il se fasse arrêter, Carmen lui interdit de sortir et s’enferme avec lui.
En hiver 2016, la Jungle de Calais abrite près de 12000 personnes. C’est une cité naissante. Quelques mois plus tard, au printemps, sa zone sud sera entièrement détruite, obligeant ses habitants à quitter leurs rues, leurs commerces, leurs logements pour se déplacer à nouveau dans une autre partie de ce territoire. En automne de la même année, l’Etat organise le démantèlement définitif de la Jungle. Mais l’énergie et la résistance de ces hommes et de ces femmes, arrivés en France dans un état le plus souvent de survivance, continuent à nourrir leur détermination, leur croyance en une autre vie possible.
Premier festival compétitif au niveau international et référence pour tous les professionnels de l’animation, Annecy propose depuis plus de 50 ans des chefs d’oeuvre de l’animation. Plus de 250 films en compétition mais aussi des films de fin d’études, des avant premières, des rétrospectives, des regards singuliers sur l’animation mondiale, ainsi que des projections nocturnes en plein air sur un écran géant.
Le Festival international du film d’animation d’Annecy parcourt le monde et s’arrête à Genève avec son programme «Best of Annecy 2018» qui rassemble une sélection de courts métrages issus de la dernière édition.
Les 14 courts métrages expérimentaux de ce programme international concourent pour le Prix Labo du Centre d’Art Contemporain Genève, qui sera décerné par un jury d’artistes pluridisciplinaires.
Ces films libérés des contraintes de la narration explorent différentes techniques pour créer leurs propres formes d’expression. Un laboratoire d’images.
